Fotos en Hipólito Restó & Arte

Alvaro Izurieta: Gauguin, el salvaje de Hiva Oa. Álvaro Izurieta, Gauguin el salvaje de Hiva Oa y el poder del desnudo. El maestro argentino Álvaro Izurieta se muestra como un gran conocedor de la figura humana, especialmente femenina y el poder de atracción que ejerce para él el desnudo femenino. La mujer como eje central, pero también el ser humano en general. Se decanta por rostros de gran detalle, facciones emblemáticas, de gentes singulares, de seres de culturas muy diversas. En la actualidad posee una obra más expresionista, en la que muestra el poder de la desestructuración de la realidad, aumentando el enigma de sus personajes, también la intensidad del color, la fuerza del contraste, pero, manteniéndose en línea con su tratamiento general de la figura humana, de los rostros y también de los cuerpos, auténticas esculturas. Conocedor del cuerpo humano, pero también de la fisonomía animal, que demuestra en sus excelentes obras de equinos, en esta ocasión, exhibe una serie realizada ex profeso, titulada ‘Gauguin el Salvaje de Hiva Oa’, dedicada a Paul Gauguin, maestro simbolista. Un Paul Gauguin que abandona el impresionismo para convertirse en el abanderado de los simbolistas, demostrando su compromiso con el valor puro de la línea y el color sobre el plano. Paul se preocupa de la sutilidad pictórica, exhibiendo un concepto muy marcado, con temática directa pero sin los recursos clásicos de la pintura tradicional., desprovista de perspectiva, pero alegórica en el sentido del símbolo. Álvaro Izurieta exhibe en su serie pictórica homenaje a Gauguin su predilección por el desnudo femenino, siempre mostrando al pintor francés con las indígenas, objeto de su atención artística. Pero, además, en sus acuarelas, pasteles y óleos de esta serie se constata la disponibilidad de la obra de un gran pintor, que domina la aguada, el color, la materia, la superposición de capas y las trasparencias. Su trazo sensual, su manejo de las curvas y gestos de los personajes, del propio personaje central de la temática, Gauguin, haciéndolo creíble, o la obra en la que muestra su propio autorretrato; el de un pintor que pinta de memoria, que se circunscribe al círculo de los inspirados, de los creadores que son originales, porque se mantienen fieles a su propia necesidad de ser antes artista que pintor. Un creador, el argentino, que posee una sólida formación, que se nota en su manera de ejercer el dominio del trazo, de pintar con el color, porque de la intensidad pasa a la consideración sutil, de los rasgos perfectamente delimitados a los insinuados, según sea la figura y su posición. Capta el espíritu de Gauguin, cautivado por lo salvaje, que no es otra cosa que la propia naturaleza y sus gentes, buscando su ascendente, la vida en plena libertad, volver a nuestros inicios. De ahí que Álvaro Izurieta, que es un ser cautivado por la belleza natural, se adentre en el compromiso que tienen los seres humanos consigo mismos, buscando la fuerza de la determinación a la hora de abordar sus personajes femeninos, llenos de insinuaciones y de naturalidad esencial. Si nos concentramos en su obra más reciente, de carácter expresionista, al margen de la serie que estamos comentando, constatamos su voluntad de ir más allá de las figuras y su circunstancia. Hoy en día no se interesa solamente por la efectividad de los rasgos, por la ampulosidad de las facciones, en la sensualidad de sus personajes, auténticos, exóticos, sino que se preocupa por el misterio. En sus obras expresionistas introduce una actitud de misterio, de lejanía, en el sentido de descubrirnos una escenografía interior, que nutre las formas, en las que las curvas y las características básicas siguen existiendo, pero que, además, hay una presencia de detalles subyugados al interés general de la creación que no se ven, porque los ha transformado en invisibles. Exhibe una composición de alto componente pictórico, en el sentido de lograr una definición de sus intenciones, que no son otras que reflejar momentos cotidianos de sus personajes, como también es el caso de la serie dedicada a Gauguin, el pintor y sus modelos; o bien determinando la trascendencia de las figuras, la personalidad de los hombres y mujeres que desfilan por sus telas, gentes que poseen un sentido notable de la realidad. Su pintura, en líneas generales, refleja carácter, pesonalidad, fuerza y vitalidad. Está elaborada con un dominio técnico incontestable, en el que destaca la forma que tiene de tratar los personajes, a veces dibujados con determinación, aumentando el interés por sus rasgos, o en otras caracterizándose por mostrar su serenidad exterior e interior. Álvaro Izurieta es un creador de personajes y de misterios contenidos en lo más esencial de la vida, porque profundiza en aquello que es y que influye en el día a día en el momento presente. Vive el presente, a partir de viajar por el pasado, insertándose en la corriente vitalista del instante, inmortalizando los momentos, para luego convertirlos en metáfora. Nota: texto realizado para la Exposición de Alvaro Izurieta en Hipólito Restó & Arte. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte

Diana Ficca. Diana Ficca, paisajes más allá del mar, sensaciones que prevalecen en la atmósfera La obra pictórica de Diana Ficca, basada en paisajes en los que el mar es protagonista, va más allá del mar, pero no puede prescindir de su referencia. Es un símbolo considerado en abstracto en el que se inspira el desarrollo de su acción temática. Emplea óleo sobre tela, sin abusar de la densidad matérica, buscando emplazar paisajes desprovistos de elementos, seres humanos, casas y otros símbolos de civilización. Son paisajes solitarios porque la idea que quiere comunicar es la de serena soledad, aislamiento o sentimiento anímico.

Elizabeth Eichhorn, homenaje a las madres, el amor como prin Conmemorando el día de la madre, Elizabeth Eichhorrn, expone en el espacio Hipólito Restó & Arte, una serie de acuarelas inéditas aunadas en el tema: “Madres: del mundo a la argentina”, conformada por maternidades de diversas razas y nacionalidades que vinieron a poblar nuestro país. "Madres: del mundo a la Argentina", muestra un gran crisol de razas que es nuestro país. Compuesta por dieciocho acuarelas, cada madre representa a una nacionalidad. Los retratos, de rasgos bien definidos, son de personas conocidas de la artista, perfectamente adaptadas para la comprensión de todo espectador, ya que no hay mejor inspiración que el rico, maravilloso y especial material humano. “En estas obras que presento este año, mi intención fue la de mostrar, a través de mi pasión por el retrato, a aquellas madres de Argentina cuyo origen es de diferentes países o razas. De allí que están retratadas las italianas, vascas, gallegas, libanesas, alemanas, judías, croatas, rusas, etc., sin olvidar a las gitanas, que hay muchas en mi ciudad -Mar del Plata- y, por supuesto, dándole el lugar que les corresponde a la criolla y a la diaguita, ésta última como la presencia aborigen. Y a la nacionalidad que cada una trae le acompañan sus hijos, que muestran la mezcla de razas en nuestra tierra, unificando de este modo a la humanidad.” Hipólito Restó Arte, fue seleccionada por la Revista Para Ti, en su edición especial “Día de la Madre”, como una de las galerías gastronómicas del fenómeno Arte Gourmet en Argentina, y en especial por la muestra llevada a cabo de esta destacada Profesora de Artes Visuales y Técnico Ceramista marplatense.

Italo Ferraris "Luz, Espacio, Color y Romanticismo" “Enfrentar la pintura de este artista plástico es un descubrimiento vivificante, porque a la vez que deleita con su impecable técnica, produce en el espectador un redescubrimiento del paisaje familiar, tantas veces desapercibido y con una evidente carga emotiva de trascendente importancia.” “Sin lugar a dudas Ferraris ha alcanzado una deslumbrante madurez, a la que une maestría, y oficio, para brindar paisajes que golpean al observador más avezado.” “La luz, el espacio y el color encuentran grato cauce en este depurado artista y se vierten en paisajes muy bien logrados, con un enfoque siempre creativo.” “Sus flores poseen un gran atractivo por la sobriedad de sus colores y un vago e indefinible encanto que emana de ellas.”

Francisca Bázquez- La unión de Arte y Ciencia arriban a Buen Francisca Blázquez, armonía sin límites. En un mundo pleno de conflictos y contradicciones, Francisca Blázquez es una artista que ha encontrado un lenguaje que intenta transmitir la paz existente en la armonía del universo. Esta artista madrileña, multifacético y pluridisciplinar, nos lleva con su arte más allá de los límites de lo cotidiano, produciendo un singular efecto en la mente y el espíritu del observador, similar a la meditación en algunas obras y a la exaltación interior a la que nos conduce la plena vivencia de lo positivo en otras. Al contemplar sus creaciones podemos creer que es posible el orden en medio del caos existente. Y es que Blázquez desarrolla un arte altamente intelectual sin dejar por ello de ser sensible y delicada. La geometría por sí sola no es su búsqueda, sino la unión de los estados más puros del ser. Para ello hace acopio de todas las formas, colores, luces, sombras, planos y profundidades sin caer en limitaciones sino más bien acaparando todas las direcciones, todas las dimensiones de lo estético en la que se basa su estilo que nos propone una sabia conjunción de los opuestos con un sutil mensaje filosófico para un mundo que reniega de lo diferente y que hace gala de intolerancia y extremismos a través de la historia en todos los espacios y tiempos. Los límites son buenos, para salirse de ellos; como decía Hockney: “No hay nada malo en limitarse, si luego uno es lo bastante valiente para salirse de los límites, pero para ello hay que ser muy valiente”. Esto es lo que sucede con nuestra artista, que gusta del reto de lo diverso y no encasilla sus inquietudes en determinada manifestación artística. Al contemplar su trayectoria se evidencia la capacidad no sólo de trabajo, sino su afán por aprender, desarrollarse y arriesgar. Todas estas cualidades le permitirán, sin dudas, ir decantando su arte hacia grados siempre superiores y llevarnos a la contemplación de la armonía de la dimensionalidad en la vida y en el arte. María del Socorro Morac de Asmat Crítico de Arte-Profesora de Historia de Arte-Artista Plástica

Álvaro Buira Cada obra de Álvaro Buira representa diversas escenas circenses minimalistas, en las que lo que importa son los personajes o el movimiento u acción que están realizando. No hay detalles, accesorios, elementos u otros iconos que intervengan en su discurso, contemplado dentro de una racionalidad de recursos. Indaga en el mundo del circo, empleando el dibujo como elemento de aproximación, pero sin abusar de los detalles ni de la descripción. Aunque, el circo es una excusa, derivado de su acentuada actitud irónica que se fundamenta en su capacidad de ver la escenografía que encierra la propia sociedad. Ironía de la vida, mundo circense, opción de vida, actitud determinada en relación a la representación que llevamos a cabo todos nosotros en cualquier escenario de nuestra existencia. El circo, equilibristas, payasos, trapecistas, profesionales del malabarismo y el equilibrio. La vida, el sueño, la fantasía, todos dentro de un contexto en el que también realizamos equilibrios, nos convertimos en payasos, en seres que reímos y hacemos reir. Su obra, concentra la acción en una zona determinada de la misma, de tal forma que el resto de la composición es espacio en blanco. Este espacio aumenta la sensación de simbolismo y alegoría.

Paisajes del Alma Los paisajes, árboles, sin ramas ni hojas, troncos y ramas, constituyen la expresión de la búsqueda de la verdad, en la que empeñamos nuestros sueños, defendiendo lo no escrito, aquello que se percibe, que es común a todos, pero que es consecuencia del mantenimiento de una actitud que es propia de la lucha de uno mismo, dando como resultado la existencia de causas por las que creer. Stella Mezzadri, a través de sus árboles, exhibe su alma, la actividad anímica, los estadios vibracionales, los momentos por lo que atraviesa el espíritu, el alma, ascendiendo y descendiendo. De ahí sus fondos azules, negros, rojos, verdes y sus troncos, negros, amarillos, marrones y azules. Pintora de momentos, dado que la cultura del instante es la que le permite ir más allá de lo hierático, descubriendo, en contrapartida, un mundo más complejo dentro de la sencillez. Sus árboles son expresiones de evidencias, de esencias que se suceden unas a otras, de instantes que van y vienen pero que siempre están.

Adriana Mufarrege, persona, situaciones, mente e instantes Soy una pintora nacida en la ciudad de Córdoba (República Argentina) en 1962. En 1987 egresé de la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, pero de hecho mi único maestro ha sido el pintor cordobés Marcos Milewski. He trabajado como docente, he hecho serigrafía y diseño web, pero mi verdadero amor es la pintura, en especial el realismo, vale decir, la representación más o menos fiel del mundo visible. El amplio término "realismo" suele asociarse erróneamente a los adjetivos "objetivo" y "fotográfico". No existe la objetividad en el arte, y pintura y fotografía son dos lenguajes diferentes. El realismo no es lo que aparenta. Mi primera exposición individual fue en 1999, en Córdoba y Buenos Aires. Se llamó "Una mirada sobre Borges" por tratarse de una serie de retratos de Jorge Luis Borges en el centenario de su nacimiento. La segunda, titulada "Tango", fue en Julio de 2005 en la Academia Nacional del Tango, Buenos Aires. Actualmente me representan en Buenos Aires las galerías Edea Arte Argentino y Frida Frida (primer galería temática de tango). En Córdoba, Artis Galería.

Ivone Tejerina, el poder evocador de la aguada. Las acuarelas de Ivonne Tejerina exhiben bodegones ‘mínimos’, evocando el poder de la aguada en un entorno sutil y sensual, en el que los objetos de cristal, jarrones, copas y fruteros predominan, mostrando frutas, zumos de fruta y pétalos de flores como nota de color. Centra la composición, procurando situar la dinámica de los elementos en mitad o a los lados del escenario. Busca con ello elaborar una obra marcada por la presencia de objetos y frutas en armonía, en línea con sus claros efluvios, presentados dentro de un destacado equilibrio, en la que predominan las sugerencias, sin imposiciones. La búsqueda de la fluctuación en bodegones mínimos, sin abusar de elementos, es fundamental para poder recrear las condiciones adecuadas a partir de las que consolidar un discurso claramente poético, intimista y personal. Predominan los tonos rosáceos, amarillos, blancos, verdes, azules y violáceos, marcados por la impronta de la evidencia, encaminada en la determinación, es decir que son esenciales para trasladar al espectador una idea de sensibilidad estudiada. Dibuja los elementos, ubicándolos, determinando su posición con claridad, para, luego, complementarla con la incorporación del color, de diferentes tonos, que llena y determina quien es quien en la objetualidad y las piezas de fruta. Es decir que la pincelada es controlada, medida, buscando la armonía en entornos perfectamente dibujados, sin salirse de la propia determinación final. Sus bodegones son expresamente sucintos, porque busca la serena distancia de lo barroco, permitiéndose consolidar espacios a medida, generados a partir de una actitud calculada, justa, armónica, ubicada en la actitud, siempre considerando las posibilidades de desarrollo de la idea. Traza un discurso específico a partir de la voluntad de la esencia del color, aquella que le permite saborear cual perfume, el sabor del cromatismo, la evidencia de los planos de tonos intermedios, pero siempre procurando destacar la temática y su contenido. No pretende dar protagonismo a los fondos, sino que se interroga por la composición, dado que el dibujo es el protagonista, para compaginarlo con el poder evocador de la aguada. De esta manera dibujo y trazo, color y forma siguen un discurso marcado por un guión establecido, que, sin embargo, posee una naturalidad evidente, una presentación fresca, directa, agradable, envolvente, hasta el punto de que capta los sentidos para entablar un diálogo a múltiples bandas. La evocación de lo sugerido manda en el complejo sentimiento de que lo que presenta es sugerente porque es bello y la belleza descansa en los recovecos de los detalles del alma. Así, alma, determinación cromática, desarrollo compositivo y espacio se funden en un discurso que huele a música perfumada de las fragancias cromáticas. Joan Lluís Montané De la Asociación Internacional de Críticos de Arte

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